2015/10/17

Meet the Arborealists at Mottisfont

On Saturday 17 october 2015, visitors met some of the Arborealists artists who created new works for the exhibition 'Art of trees' at Mottisfont Abbey. Each artists talked about how they work and what inspires them, on their influences and art practice with trees.





2015/10/16

Wladyslaw Mirecki

Wladyslaw Mirecki
Chappel Galleries
info@chappelgalleries.co.uk
www.chappelgalleries.co.uk


Even before I became a painter, trees have been as essential to my world as the beasts of nature. In my earliest work my trees were amorphous blobs wrapped in greenery. I had to really analyse them as objects in the round to get them right.  This has given me a preference for naked trees. They in winter reveal themselves and their surrounding so much more.

Wladyslaw Mirecki
Bluebells in Chalkney Wood, watercolor, 2011, 80 x 120 cm

I don't know the names of the trees I am painting.  I tried learning their Latin names and making botanic studies of them.  But I found this to be distracting.  Their colour, shape and texture together with their mass is what awes me and I try to capture this. The context in which they lie is also of importance to me; the space around them, the leaf mould at their base. They do not exist in isolation, other trees live with them and creatures live upon them and, while I'm making the picture , I too become almost tree like myself; still and silent.

Wladyslaw Mirecki
Fallen leaves, watercolor, 2011, 90 x 78 cm

Wladyslaw Mirecki
Lane Road Wakes Colne, watercolor, 2008, 100 x 130 cm


Avant même que je devienne peintre, les arbres étaient aussi essentiels à mon univers que les bêtes de la nature. Dans mes premiers travaux, mes arbres étaient des formes indistinctes enveloppées dans la verdure. J'ai dû vraiment les analyser comme objets dans leur environnement pour les rendre bien. Cela m'a donné une préférence pour les arbres nus. Alors, en hiver, ils se révèlent tellement plus, eux-mêmes et leurs environnement.

Je ne connais pas les noms des arbres que je peins. J'ai essayé d'apprendre leurs noms latins et d'en faire l’étude botanique. Mais je trouvais que cela me déconcentrait. Leur couleur, leur forme et leur texture, mises ensemble avec leur masse, c’est ce qui me fascine et que j'essaie de capturer. Le contexte dans lequel ils se trouvent m’est également important :  l'espace autour d'eux, la moisissure des feuilles à leur base. Ils n'existent pas isolés, d'autres arbres vivent avec eux et des créatures vivent sur eux. Et, pendant que je fais l'image, je deviens moi aussi presque comme un arbre : calme et silencieux.

2015/10/15

Gary Colclough

Gary Colclough
info@garycolclough.com
www.garycolclough.com


Gary Colclough
Among Trees, coloured pencil, paper, and wood, 24 x 26 x 1.1cm, 2012

A regular train journey I make, takes me out of London and through the common and woodland of Surrey. There's a curious bit of the journey where the train lines intersect and create a small island, a discreet wooded outcrop bordered on all sides by train tracks. I wonder if anyone ever sets foot on this small piece of land. This unremarkable tract of landscape is in some ways wilder than the dense woods and windswept commons that sweep past the window.

I realize l will never walk through this piece of land and in all likelihood I will never walk through any of the trees I view on this journey. I've made this journey hundreds of times now and I've yet to get off before my destination.
Like so many city dwellers I all too often experience the landscape at a remove - through the window, the screen, or the page. 

My journey takes me through Woking, where H.G. Wells lived and wrote War of the Worlds. The town and surrounding area feature heavily in the first part of the book and as the train carries me further into the Surrey countryside I try to imagine it as a backdrop for an invasion and other doomsday scenarios. 

I think I do the same thing every time I look at an image of the landscape; I imagine that fateful discovery that will turn the world upside down. 
Before I make drawings my process begins by searching through existing photographs of the natural world; images of woods I have never walked in and trees I have never seen or touched. I'm looking for a certain ordinariness, a degree of blankness onto which I can project. I willfully misinterpret these images, imagining their stillness as loaded with the potential of imminent action or discovery.
Although, so often the trees obscure nothing but more trees, the seemingly dense bracken only extends as far as the railway siding, or the A-road, sometimes the thing you are looking for just really isn't there. 

Gary Colclough
Edge of the Real (detail), coloured pencil, paper, and wood, 84 x 25 x 1.8cm, 2014

Avant de dessiner, j’engage ma démarche en cherchant parmi les photographies existantes du monde naturel : des images de forêts où je n'ai jamais marché, des images d’arbres que je n'ai jamais vus ou jamais touchés. Je recherche un certain caractère ordinaire, un degré de vacuité sur lequel je peux projeter. Je mésinterprète délibérément ces images, en imaginant leur silence chargé d’un potentiel d'action ou de découverte imminentes.

Je reconstruis ces images comme des dessins, en utilisant le dessin comme un outil de fiction ou tout au moins de doute. Chaque dessin est construit à travers un réseau complexe de signes individuels, qui ne crée pas une ressemblance photographique, mais quelque chose de plus manifestement fait à la main. Travaillant avec plusieurs monochromes, j'essaie d’évoquer des références à la séparation lithographique, mais aussi à des traditions plus romantiques de représentation du paysage, comme les premières illustrations d'histoire naturelle et les tissus imprimés de fabrique.

Angela Summerfield

Angela Summerfield


The creation of my oil paintings involves initial purposeful wanderings. In practical terms, familiarisation and authentic experiences are reinforced by an assemblage of visual, auditory, haptic and somatic material: sketches, notations, maps, guide-books, old postcards, poetry, music, photographs, and "found" objects, such as leaves and pine cones. The resultant studio paintings are carefully conceived re-presentations and re-compositions, which retain a figurative presence.  The history of landscape symbolism, in art, literature and music, lies at the heart of such works, where an emphasis is given to colour and light and how this impacts upon our senses and memory.  In 'As the Wind Traverses the Land, So the Breath of Life Passes On' the rich and carefully modulated colourings, using a variety of brush strokes and layering, deliberately evoke the jewel-like presence of Renaissance altarpieces, such as the Sacra Conversazione, and their associated meanings. The "heavenly" blue of the sky finds its counterpoint in the visual complexity of the earth and the secular world (the fallen leaves, brambles and bracken on the moss-covered moist earth) while the blood-red leaves read as both the loss and beginning of life.  The title refers to change, loss and the continuity which we all experience in our lives. Just as the seasons, weather and time of day change and follow natural patterns, so too does human life and our lived experiences.  In 'The Life of the Forest (The Forest's Music)' a metaphorical and aesthetically harmonious whole is suggested through the arching flowing structure of naturally growing silver birches and the stained-glass vision of the land beyond the branches's twigs. 

Angela Summerfield
The Life of the Forest, oil on linen  canvas, (framed) 76x76cm

Angela Summerfield
As the Wind Traverses the Land, So the  Breath of Life Passes On


Angela Summerfield est une artiste britannique qui a passé ses années de formation dans le nord du Yorkshire et à Londres. Elle vit maintenant dans le nord du Gloucestershire, avec ses collines sources d’inspiration, ses forêts, ses arboretums, ses chemins de campagne et son réseau de sentiers publics. Les marches dans la nature sont essentielles à sa pratique artistique. Elle les décrit comme des « errances délibérées ».

Cette peinture à l'huile fait partie d'une série d'œuvres, commencée en 2017, qui marque un nouveau départ dans sa pratique. La série explore le concept de « non-naturalité » en termes de (1) son contexte dans la nature et (2) son contexte au sein de la société. Elle accueille des concepts tels que les normes sociales et l'identité personnelle. Le terme « nature » (parfois mis en majuscule) a une longue association littéraire avec les idées de naturalité, de préservation et de refuge pour l'esprit et le corps humain. À l'inverse, il n'y a rien de moins naturel que les aspects de la campagne britannique, avec son histoire de champs enclos, de tourbières et de forêts administrées et de tentatives pour restreindre l'accès au public. La silhouette d'un arbre est un motif constant de cette série de peintures, car son apparition au crépuscule suggère l’ambiguïté : est-ce encore un arbre? Dans le contexte de la société, l'utilisation et le placement de couleurs esthétiques « non naturelles » questionnent les postulats perceptifs et cognitifs.

Jane Eaton

Jane Eaton 
jane.eatonpdq@gmail.com
Website: janeeaton1947.wordpress.com/
Blog: jane-eaton.blogspot.co.uk/
Twitter: twitter.com/janeeaton10
Facebook: www.facebook.com/jane.eaton.568
Linkedin: www.linkedin.com/pub/jane-eaton/100/7a4/a36



Jane Eaton

Boundary Oaks I,  Monoprint-Etching on Cartridge Paper


For several years Zen Buddhism/Taoism and its subsequent influence on Eastern art has been a recurring theme providing a stimulus in my approach to making work. An additional engagement and link to my work has been an introduction to Geopoetics. This is a concept first developed by Kenneth White, Scottish poet, academic and writer. Centred around a way of looking at art, philosophy and culture based on contact with the earth, it encourages cross-disciplinary and collaborative work in any medium. The ideology addresses and is deeply critical of Western thinking and practice over the last 2500 years and questions the separation of human beings from the rest of the natural world. These two points of interest are signified in my work where I have sought to engage and reconnect to nature.

The English Oak tree provided a perfect point of departure. The mighty oak (tree of life) can be viewed as synonymous to this aim providing many connections and associations historically, symbolically and metaphorically, referencing and sharing similar values across many different cultures.

Jane Eaton
Ying Yang  (Exercises in Style - Oak Tree),  Ink on Watercolour Paper

Employing a cross cultural approach and using traditional materials I have created monochrome imagery which reflects the yin yang philosophy of duality. The 'chance' mark has been a key aspect within my exploration and I have sought to extend awareness and present different levels of interpretation. My aim has been to engage with the subject using the horizontal approach thus emphasising our connection to the ground and to reality; to make work that brings attention to the transience and repetition of cyclical life with its unequivocal energy.

Jane Eaton
Tree of Life, Monoprint-Etching on Cartridge Paper

I have also aimed to create a focus on the potency and contribution of reconnecting to nature in our virtual world by creating links between areas of knowledge and experience; bridging cultures and presenting new encounters. Research has confirmed that nature is a valuable resource which contributes significantly to our physical and spiritual growth.

"To be spiritual is to be constantly amazed"
Rabbi Martin Levin (2005)
Jane Eaton
Transient Oak, Unique Monotype on Japanese Paper


Pendant plusieurs années, le bouddhisme/taoïsme zen et son influence sur l'art oriental ont constitué un thème récurrent, qui a stimulé mon approche du travail. En complément, la découverte de la géopoétique a renforcé l’engagement et le lien à mon travail. Il s'agit d'un concept développé pour la première fois par Kenneth White, poète écossais, universitaire et écrivain, qui interpelle et critique profondément la pensée et la pratique occidentales au cours des 2500 dernières années. Il questionne la séparation des êtres humains du reste du monde naturel. J’exprime ces deux centres d'intérêt dans mon travail où je cherche à m'engager pour la nature, à renouer avec elle.*

Le chêne anglais a fourni la motivation principale à mon travail de création. Le chêne majestueux - arbre de la vie - peut être pris pour métaphore de mes intentions, car il offre de nombreuses connexions et associations historiques, symboliques et métaphoriques, et porte et transmet des valeurs semblables parmi de nombreuses cultures différentes.

En recourant à une approche interculturelle et en utilisant des matériaux traditionnels, je crée des images monochromes qui expriment la philosophie de la dualité du yin et du yang. Le signe «chance» est un aspect clé de mon exploration où je cherche à étendre la conscience et à présenter différents niveaux d'interprétation. Mon intention est d'engager un dialogue avec le sujet en utilisant une approche horizontale, pour mettre ainsi l'accent sur notre lien à la terre et à la réalité, pour produire une œuvre qui attire l'attention sur l’impermanence et la répétition de la vie,  cyclique, à l’énergie incomparable.

J'ai également visé à mettre l'accent sur le potentiel et l’apport d’une reconnexion à la nature dans notre monde virtuel, en créant des liens entre les domaines de la connaissance et de l'expérience, en rapprochant les cultures et en proposant de nouvelles rencontres. La recherche a confirmé que la nature est une ressource précieuse qui contribue de manière significative à notre croissance physique et spirituelle.

« Être spirituel c’est être constamment émerveillé »
Rabbin Martin Levin (2005)



Karen Bowers

Karen Bowers
karen@karenbowers.co.uk
karenbowers.co.uk


Karen Bowers
Flood and Willow, Oil on board, 2013

The environment around my home informs my work and is a constant and important inspiration to me. I walk daily with my dogs and always have a camera or sketchbook with me. I record the trees, hedgerows and nature noting its changing patterns and details that are so easily overlooked and passed by. Trees and landscape create a narrative that can tap into our memories and feelings. 
In my painting I am attempting to capture the spirit and power of nature.

Karen Bowers
Hidcote, watercolour,  2014

There are many artists that have a continual importance to me when making my work, but the two that are a constant presence are Georgia O' Keeffe and Paul Nash. Georgia O'Keefe said that what she was always trying to capture in her paintings, was

"The unexplainable thing in nature"

Karen Bowers
Fragmented Green Wood No1 and 2, watercolour, 2011


Mon travail exprime mon affection pour la nature et le paysage. Mes tableaux dérivent de lieux réels et sont des portraits intimes et étudiés. Une grande part de mon travail concerne le paysage à ma porte, et je sors marcher presque tous les jours avec mes chiens et mon appareil photo. Les arbres et les paysages peuvent créer un récit susceptible d’atteindre nos souvenirs et nos sentiments. Dans mes peintures, je tente de saisir l'esprit du lieu : ce qui est mouvant et puissant dans la nature, ses structures changeantes et les détails à côté desquels souvent on peut passer. L'acte de peindre et l'exploration des possibilités de la peinture sont aussi importants que le sujet.




2015/10/10

Emma Buckmaster and Janet French

Emma Buckmaster and Janet French
buckmasterfrench1@gmail.com
www.buckmasterfrench.com
www.facebook.com/TreePortraits

www.emmabuckmaster.com
www.janetfrench.co.uk


Tree Portraits - A Collaborative Project


Emma Buckmaster and Janet French are both printmakers with a shared passion for trees. Together they have created a unique series of etchings printed onto paper made from the trees own leaves.

Each Tree Portrait is a separate project starting with a search for the 'ideal' specimen. Once the tree has been chosen, the leaves must be collected and after a prolonged process of soaking and boiling, delicate sheets of paper are created using only the natural constituents of the leaves to bind them together. The leaves of each tree behave differently and the process is one of continuous experimentation. The etching is made on a steel plate because of the pressure necessary to print onto leaf paper. Whilst the paper is still damp the etched image is printed onto the leaves from the steel plate using a traditional etching press. Finally, the prints are mounted between glass so that the texture or translucency of the paper forms part of the image.

The project started with a small image of an oak tree and has progressed to include beech, lime, silver birch, white poplar, hawthorn, ash, alder and holly.

Emma Buckmaster and Janet French
Fagus II, 2013, 25 x 27 cm, Etching on Beech Leaves

Emma Buckmaster and Janet French
Tilia, 2011, 51x43 cm, Etching on Lime Leaves


Les graveuses Emma Buckmaster et Janet French sont passionnées par les arbres. Travaillant en collaboration, elles ont créé une série unique de portraits d’arbres « Tree Portraits ». Ces gravures sont imprimées sur un papier fabriqué à partir des propres feuilles de chaque arbre.

Chaque « Tree Portrait » est un projet à part, qui commence par la recherche du spécimen « idéal ». Une fois l'arbre choisi, on recueille ses feuilles. Un long processus de trempage et d'ébullition produit des pages d'apparence délicate, liées uniquement par les constituants naturels des feuilles. Les feuilles de chaque arbre se comportent différemment et le processus est une expérimentation continuelle. La gravure est réalisée sur une plaque d’acier en utilisant une presse de gravure traditionnelle. Enfin, les tirages sont montés entre deux verres. Ainsi la texture translucide du papier fait partie intégrante du travail.

Notre projet a débuté par une petite image de chêne. Il a progressé pour inclure le hêtre, le tilleul, le bouleau argenté, le peuplier blanc, l'aubépine, l'aulne cendré et le houx.

Fiona McIntyre

Fiona McIntyre


As a painter I revel in taking the time to feel and observe the natural world. Being one with nature is important to me. In that moment I acutely observe all that is within my field of vision sketching and drawing, sometimes over many hours. It can become a battle with the elements when it rains or the wind is blowing but this is part of the exhilaration. When I draw outside I become aware of subtleties and fleeting moments; clouds billowing across a cerulean sky, angry mauve curtains threatening pelting rain, myriad nuances of green shifting to autumnal shades of alizarin. I become aware of time passing as shadows move and how colours become vibrant just after rain, in blazing sunshine or enhanced by miraculous light.

Hidden within the work are subtle symbols that hint at what lies between the seen and the unseen - gateways into the imagination painted in livid, chromatic colour to awaken the senses. The attraction I have for trees is because they stand like witnesses of our history and guardians of a timeless place where the troubles of this century become irrelevant. I have a particular fascination for the ancient mythology associated with them and the rich properties of healing that each tree offers humanity. The problems on the planet right now are enormous, but instead of painting the hopelessness, I choose like Blake and Palmer to find the visionary in what remains of our landscape.

Fiona McIntyre
Sunyata, 90 x 110cm,  oil on linen

Fiona McIntyre
Ghost Leaves, 90 x 110cm, oil on linen

Fiona McIntyre
Homage to Sartre - Being or Nothingness, 153 x 161cm, graphite on six sheets of fabriano


Mes premiers souvenirs sont des souvenirs de marche dans les forêts de pins aromatiques des Highlands occidentales écossaises avec mon grand-père forestier. Désormais dans les Cotswolds je suis environnée par un enchevêtrement varié d’arbres anglais et de terres agricoles. Je travaille sur le motif, dessinant des croquis d’observation au crayon, au fusain et à la couleur. De retour à mon atelier cela évolue et quelque chose s’en extrait : une exploration de la couleur et de la forme picturales inspirée par le sentiment d'une idée. Souvent la littérature sert d’étincelle : les écrits existentialistes de Jean-Paul Sartre m'ont par exemple amenée à observer un arbre assoupi en hiver. Aujourd’hui, Poitiers est devenu un nouveau voyage passionnant dans un type complètement différent de paysage arborescent, élégant et baigné dans une lumière chaude. Cela a nourri ma fascination pour une perception intime des arbres et de l'eau, en encourageant la stylisation et la simplification. Dans mes peintures inspirées de Poitiers - et par nécessité - j'ai commencé à utiliser la photographie et le collage comme un point de départ. Ils m’emmènent dans des royaumes inexplorés. La France a ouvert la porte à mon désir d'une plus grande clarté. Elle m'a permis de plonger délicatement l’orteil dans les eaux de l'abstraction.